Modest Músorgski
CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN
... UNA EXPOSICIÓN ... Y ... UN CONCIERTO ...
“Una presentación polifacética de géneros artísticos del siglo veinte, uniendo de manera fascinante la música con las artes plásticas y el treatro visual”
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La música
En 1874 Modest Músorgski escribe el ciclo musical para piano IMAGENES DE UNA EXPOSICIÓN. Le inspira una exposición de dibujos y borradores de escenas de su difunto amigo Viktor Hartmann. En un paseo musical por esta exposición Músorgski expresa a través de su composición las emociones y sensaciones que le provocaron las imágenes.
Hoy en día las melodías como „Promenade" (paseo), „Ballet de polluelos en sus cáscaras“ o „Bydlo“ (la carreta de bueyes rusa), son famosas en todo el mundo y han sido arregladas y elaboradas musicalmente ya muchísimas veces. Cabe mencionar que las obras originales de Hartmann se extraviaron y nada más a través de la música de Mussorgski siguen presentes.
La obra
En la puesta en ecena de su obra de teatro visual, Karin Schäfer invirtió el proceso de creación inicial: al igual que alguna vez el compositor compuso la música a través de las imágenes, ella creó „imágenes“ nuevas, completamente distintas a las iniciales extraviadas, a través de la múscia, de su timbre y las historias tonales, con las que cuenta cada pieza musical.
Es una exposición muy especial que a través de la música despierta a la vida: todas las imágenes presentadas cuentan, a través de títeres, figuras grandes, imagenes, luces y sombras, proyecciones y movimiento, sus propias historias nuevas – sorprendentes y llenas de humor.
La producción
Obras de 14 artistas ejemplares fueron la inspiración para cada una repectiva de las „imágenes vivientes“ del proyecto de Karin Schäfer el cual une varios géneros artísticos:
Alberto Giacometti, Niki de Saint Phalle, Friedensreich Hundertwasser, David Hockney, Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Andy Warhol, Pablo Picasso, Paul Klee, Georgia O’Keefe, Joan Miro, Martin Kippenberger, Christo und Jeanne Claude .
De esta manera las „imágenes de una exposición“ dejan de ser referencia musical a un solo artista y se convierten en una presentación completa y polifacética de géneros artísticos del siglo veinte, un conjunto fascinante de música, artes plásticas y teatro visual.
Todos los videos, proyecciones y dibujos animados, también se hicieron en el taller del Karin Schäfer Figuren Theater. La producción puede ser presentada sobre un escenario en vivo por cualquier orquesta o compañia que domine esta obra.
“Estas imágenes nuevas de la puesta en escena son mis inspiraciones libres, ideas que me llegaron escuchando la música. Desde hace años no solo me dedico a las artes plásticas de manera intensiva sino también tienen una influencia grande en mi trabajo creativo, construyendo títeres y creando imágenes teatrales. La transición de las artes plásticas al teatro visual me fascina y justamente en esta obra tiene el papel principal.
Según las emociones y sensaciones que me causó la música, cuando la escuché, relacioné las diferentes piezas musicales, sus timbres particulares, en cuanto a sus asociaciones inherentes, con obras de artistas distintos del siglo veinte.
Quiero ampliar y desbordar géneros, la música y la imagen; desbordar también los límites entre presentación y público. El espacio se vuelve escenario, cada imagen tiene un lugar distinto, como en un museo. Nada más ahí se mueven los visitantes, aquí las imágenes – a veces hasta en medio del público. Cada imagen de otro estilo, de otra técnica – en cuanto a sus recursos estilísticos teatrales como artísticos.
Karin Schäfer
“Obras maestras desde Picasso a Christo en escenario despertadas a la vida a través de la música incomparable de Músorgski”
La Promenade - el paseo por la exposición – dos figuras grandes, basándose en esculturas de Niki de Siant Phalle y de Alberto Giacometti se pasean con asombro y casi algo de curiosidad, no nada más entre las imágenes sino también entre el público y se topan con la exposición. Una de ellas es pequeña y de muchos colores, el otro estirado, de un gris metálico y de textura aterciopelada.
El gnomo vive dentro de la imagen „La tiranía de la arqitectura - el camino al socialismo“ del pintor vienés Friedensreich Hundertwasser. Pero este entorno de varias dimensiones le causa problemas considerables – ante todo la perspectiva de la que por fin se siente amenazado.
El viejo castillo se basa en la imagen „Sitting in the Zen Garden“ de David Hockney. Según el estilo de Hockney, fotos detalladas montadas de tipo collage muestran un castillo. Este se encuentra dentro de un reloj gigantesco de arena. El flujo constante de la arena acompañado por la música lenta, casi melancólica anuncia el paso del tiempo y el declive.
El Jardín des Tuileries, jardines de París, se basa en el cuadro de Wassily Kandinsky „Pequeños placeres“. Predomina un ambiente muy alegre y vivo. Elementos pequeños y abstractos se mueven dentro de un espacio indefinible y sedoso. Crean confusión óptica y aún así son un símbolo de alegría.
„El violonista“ de Marc Chagall, al igual que otros elementos de sus cuadros, sirven de fondo para „Bydlo“. Aacompañado por música lenta y pesada se mueve una carreta de bueyes por las vastedades de Rusia en donde casas, cabañas, hombres y animales se relacionan entre ellos de manera extraña.
El ballet de los pollitos en sus cáscaras basado en las „Latas para sopa de Campbell“ de Andy Warhol y en estilo de sus cuadros de campos de color, las cáscaras de huevo se vuelven latas para sopa. Los pollitos representan el caos total a través de una corta película stop-motion: son pequeñas, andando y brincando en pasitos cortos de pajaritos como la música – y empeñados en recuperar orden y unidad.
Samuel Goldenberg y Schmuyle nos evocan la asociación a dos cuadros de Pablo Picasso: "Wilhelm Uhde" (1910) y "Nude Man and Woman" (1971), los cuales comprenden la obra completa de Picasso en gran parte. En el conflicto entre los dos títeres de boca plegable de tamaño real - el hombre rico y el pobre – predominan la tensión y el conflictoy, naturalmente, el rico tiene la última palabra.
El mercado de Limoges se basa en el cuadro „Maquina del gorjeo" de Paul Klee, reconstruida aquí en tres dimensiones y de manera funcional. Las mujeres que vociferan en una plaza de mercado se estiran más y más y por fin se vuelven seres tipo pájaros que se pelean y trinan. Todo esto se expresa a través de la música cuyo volúmen, a causa del movimiento de una manivela, aumenta constantemente.
Como base para las catacumbas sirve el cuadro „Edificio radiador – noche – Nueva York“ de Georgia O'Keeffe. El cuadro de campos de color negro en combinación con innumerables luces, repesenta las catacumbas de la Edad Moderna: La metrópolis. Ventanas iluminadas de los rascacielos, entre ellas coches, faroles, semáforos. Poco a poco se apagan las luces hasta que solo sobra la oscuridad absoluta. La ciudad duerme, el hombre muere.
Cum mortuis in lingua mortua se basó en el cuadro „Mujer bañándose“ de Joan Miró. Aquí a través de la música se expresa un desfase horario, una paralización de movimiento como la contención de la respiración por debajo del agua. El agua es representado a través de una proyección gigantesca en toda la sala de especadores y el escenario. Este „idioma del silencio“ se comunica mediante sombras de muchos colores.
La cabaña de Baba Yaga tiene como fuente de inspiración los trabajos de Martin Kippenberger y está equipada con linternas y cajas, sus motivos favoritos. El cuadro se transforma en arte de instalación: una caja como la cabaña, con linternas como sus piernas se desplaza de manera amenazante sobre todo el escenario, hasta que por fin sale en persona al escenario la bruja Baba Yaga.
La última parte, la gran puerta de Kiev, se basa en trabajos de Christo y Jeanne-Claude. La música emplea los motivos del paseo. Aquí sin embargo el paseo se vuelve marcha triunfal, epinicio patético. Pero el pathos se tiene que desenmascarar: a través de actos de tapujo se crea espacio para nuevas perspectivas. El piano junto con el pianista, el cual sigue tocando los últimos tactos, son empacados y para la sorpresa del público la obra termina con este acto asombroso de distanciamiento.
De bis es presentada la „Circus Polka para un elefante joven“ de Igor Stravinski. A lo largo de esta música maravillosamente ligera, farolillos grandes (linternas chinas) adaptan formas y figuras distintas. Al final se juntan y entre todos forman en el escenario un elefante joven. Primero aún es un poco torpe, pero poco a poco agarra confianza.
Momentos estelares
Esta obra se presentó en la sala de conciertos de Viena (Konzerthaus Wien), en el museo de arte moderno en Salzburgo, en la filarmonía de Luxemburgo y en la Metropolitan Hall en Taipei. En cooperación con otros pianistas también fue presentada, entre otros, en la sala de conciertos de Tesalónica y en el Gasteig de Munich, al igual que en Breslavia, la entonces denominada Capital Europea de la Cultura.
En la versión orquestal de Ravel, la obra ya había sido presentada también en conjunto con la orquesta sinfónica juvenil Voralberg, el State Symphony Orchestra de Ezmirna, la orquesta Beethoven de la ópera de Bonn y la orquesta de Castilla y León.
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PREGUNTAS Y RESPUESTAS
En cuanto a la organización
¿Dónde se puede ver esta obra?
Somos un teatro independiente y damos funciones en donde nos contratan. Por lo general estas funciones toman lugar en festivales, teatros y salas de concierto, pero también para orquestas que están interesadas en trabajar con nosotros. Podría ser en cualquier parte del mundo – hasta la fecha hemos presentado nuestras producciones en más de 45 países en todo el mundo. Para conocer fechas y lugares de las próximas presentaciones, lo más fácil es suscribirse a nuestro boletín electrónico:
¿Se puede conseguir esta obra en DVD?
Desafortunadamente hasta la fecha no. Desafortunadamente hasta la fecha no. Pero hay una grabación de la obra completa en línea. Si ustedes quieren programar la obra o al ser periodistas, hacer un reportaje de ella, o también para verla nada más por interés, avísenos y con mucho gusto les mandamos el link - pero nos tendrían que prometer de no divulgar este link ni el video de ningún modo y sobre todo de ver la obra en vivo si la próxima vez estaremos cerca de Vd. :-)
¿Cómo se puede contratar una o varias funciones con esta obra?
Por favor, mánden un e-mail a la siguiente dirección: tour@figurentheater.at y en seguida nos vamos a poner en contacto con ustedes.
¿Sería complicado si queremos invitar la obra a nuestro teatro o sala de concierto con nuestra orquesta o un/a pianista?
No, pero se necesitaría un escenario lo suficientemente grande, de por lo menos 12 m de ancho y 6 m de hondo ENFRENTE de la orquesta o del piano. Necesitaríamos 3 horas para el montaje del decorado escénico y 3 horas más para la instalación del alumbrado escénico, del cual la sala tendría que disponer. Vídeoproyectores y videocámaras vamos a traer nosotros – con mucho gusto les mandamos un technical rider. Aparte se tendría que contar con 1 o 2 pruebas juntos con el/la pianista o la orquesta (después de haberlo prearreglado con el director de orquesta).
¿Cuánta gente puede ver la obra y a partir de qué edad es apto?
Es una obrapara adultos. Adolscentes a partir de los 12 años también son bienvenidos a verla. También se puede modificar la obra para así presentar una versión apta para familias. Hasta 1.500 personas a la vez podrían ver la obra según la capacidad de cada sala y con sillería „escalante“ que permite una buena vista al escenario.
¿En qué idioma se representa la obra?
El concepto visual en si es sin palabras y así se puede entender en todo el mundo. Antes de que la obra empiece vamos a introducir los temas musicales y las obras artísticas las que fueron fuente de inspiración para los temas. Esta introducción se puede llevar a cabo en todo momento en alemán, inglés y español o, con su apoyo, también en cualquier otro idioma.
¿Cuál sería el costo?
Con mucho gusto y sin compromiso les mandamos una descripción de nuestro cachet y de los costos del viaje. Necesitaríamos saber cuándo, dónde y en qué contexto se llevará a cabo la obra. Varias presentaciones en el mismo lugar saldrían mucho más económicas que una sola.
¿De cuántas personas consiste el equipo?
Para esta obra somos 5 personas las que participaremos: 3 actores, 1 técnico de iluminación y 1 gestor (que también se ocupa de las proyecciones en el escenario). Con gusto traemos uno de nuestros pianistas pero por supuesto con el mismo gusto trabajamos con un/a pianista del lugar. No podemos llevar nuestra orquesta pero nos alegraría poder trabajar con cualquier orquesta – o conjunto de música – que sabe tocar la obra y el bis.
¿Tienen mucho equipaje?
Aunque nuestra obra llena un escenario grande, todo lo que usamos en para la representación se deja desarmar en partes pequeñas y así transportar. En total tenemos un equipaje de aprox. 4m³ / 400kg que transportara una empresa de transportes (via carretera o avion, segun el caso).
¿Quiénes han cooperado en la obra?
Un listado del equipo de producción y del que va a estar de gira se encontrarán a continuación.
Más información acerca de la obra y las piezas músicales y sus títulos se ecuentra en Wikipedia.
Tendría todavía una pregunta...
Por favor, escríbanos a esta dirección de correo electrónico: info@figurentheater.at y con mucho gusto les contestamos sus dudas.
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EL EQUIPO
Producción:
Karin Schäfer
Idea, concepción, diseño, escenografía, elaboración de los títeres, utilería, videos, proyecciones
Peter Hauptmann
Gestión & organicación, construcción de utilería, edición de vídeo
Claudia Six
Colaboración en la construcción de títeresy utilería
Sabine Weitsch
Colaboración en la construcción de títeres y utilería
Roger Ber
Pinturas escenografía
Christian Recklies
Colaboración en la construcción de escenografía
Almut Schäfer-Kubelka
Colaboración pelicula animada
Boris Schäfer
Diseño de alumbrado escénico
Auftritte:
Karin Schäfer
actriz, titiritera, directora
Almut Schäfer-Kubelka
actriz, titiritera
Jeanne Nickels
actriz, titiritera
Peter Hauptmann
gestion & proyección
Boris Schäfer
diseño & dirección del alumbrado
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Adriana Zangl
actriz, titiritera (suplente)
Emil Kohlmayr
actor, titiritero (suplente)
